不牛逼的導演基本只會用多機拍攝，後期交給剪接去剪。觀眾看個熱鬧，比如《風語者》《洛杉磯之戰》，一看就是人多，錢多，攝影機多。牛逼導演在大場面的時候依然把控全局，法度嚴謹，比如《影子武士》《現代啟示錄》《黑鷹墜落》《TDK》。其實 Michael Bay 的場面調度水平也不錯。
2、多人對話
多人對話要拍得好看，需要深刻了解什麼是場面調度。群戲大師阿爾特曼的《高斯福德莊園》提供了樣板。李安的《理智與情感》的群戲，老實說，鏡頭語言方面很一般。
3、性愛場面
國內導演對付這樣的東西，能做到敢拍已經是最高境界。電影裏面的性愛場面，能做到完全為影片服務，不出格，不喧賓奪主，自然天成，已經很考驗導演水平。
4、人物出場
絕大多數導演對人物出場都沒有給與足夠的重視，往往人物該出場就出來見人就是。其實細看經典電影裏面的人物出場，你會發現大導演的功力是隱藏的很深的。看看《西部往事》裏面查爾斯·布朗遜的出場吧。
5、長鏡頭
很多人都喜歡裝大師範兒，搞長鏡頭。老實說，長鏡頭很考驗場面調度。侯孝賢的《悲情城市》裏面的長鏡頭，場面調度不絕後也基本空前。
還有若干長鏡頭大師，帕爾馬，安哲等，判斷長鏡頭優劣，只需要看你能不能看出調度和信息量。國內導演的長鏡頭只剩下「長」。
6、室內兩人對話
某次跟個剪輯聊天，我問他覺得什麼最難剪，出乎我意料的是，他回答是室內兩人的對話。他看出我表情詫異，繼續說，因為很多導演都是大全景加正反打草草了事，素材就那麼些，我要是就這麼剪，這戲，還能看么？ 如果說多人對話像甜點中的蘇芙蕾，要麼精妙絕倫，要麼形神都shit，沒什麼中間地帶，那麼室內兩人對話就像cheese cake，看上去普通，可能吃起來差別不很大，但一旦出彩，就會讓你念念不忘、必有迴響。
舉個例子： 林克萊特的《甜蜜的**我》（Rape），全片都是室內戲，大部分時間只有兩人，諸位可以看看他是怎麼處理的。
也許有人講，類似於以上這個例子，它劇本寫作本身技藝就已經相當高超，這點我不否認，這些室內戲寫得都很舞台化，但即便如此，電影不是把你拖到固定地點坐下來看完的藝術，如果真的成了個舞台劇的攝製版，早逼着觀眾離席了。 不信，你閉上眼睛想想，這些段落，你會怎麼處理。
7、不講話的敘事段
某些藝術電影或者某些過於「詩意」的電影，大段場面不講話，沒什麼了不起，因為沒有硬性的敘事任務。但對於要講故事的電影，不依靠對白、旁白、字幕，就靠畫面，最多加音樂，就把事兒說清楚，說巧妙，並不容易。
這裡又得提西部往事的開頭了，基本一句話沒有，但戲劇張力滿溢。老無所依中大段追殺戲的處理，也是靜默無聲，殺氣十足。所謂此處無聲勝有聲。
8、一個平時演技矬到爆的演員在此片中的表演
選擇演員、調教演員、發掘演員潛力是導演的重要功課。但不可絕對，因為很多時候導演未必有演員的最終選擇權，而現場說戲可能也落在執行導演頭上，但指導表演仍然是導演的重要工作，為了方便識別，不如看看一些公認的「差」演員在此作前後的反差。
這方面的典型是杜琪峰，張家輝、古天樂這種好璞玉自不待說，值得一提的是他對任賢齊的改造。雖然小齊難說脫胎換骨，但至少在他指導下，他的戲能看了。
大陸這邊，演員出身的康洪雷在指導表演這塊比較出色，像《士兵突擊》的演員幾乎全部因為這一部戲翻身的情況着實不多見。雖然我對康導其他方面或許有意見，但他對演員的提點能力確實非常牛。
最後，似乎並不能一概而論，沒有哪一個『場景』最能看出水平，動作戲好像更容易出彩，但能把對話戲拍得抓人也是技術；大場面似乎更好看，但小空間也能逼迫導
演琢磨攝影機運動和場面調度；悲劇場景可能給觀眾心理衝擊較大，但喜劇場景其實對節奏和視聽思維要求很高。所以我也說不出哪個場景，我只能說，衡量導演水平，要看他如何用視聽語言引導情緒。
一般說來，開場戲最吃功夫，大多數導演都會全力設計一個開場。導演塞繆爾·富勒說過：如果一部電影在開始沒能抓住觀眾的心，那這部電影就只能淪為垃圾。
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