有人說，李安變了。
從一個對故事如此精雕細琢的人，到現在在技術上執迷不悟。
[雙子殺手]剛一在北美試映，就撲了街。
爛番茄43%，IMDb只有5.1分。
IMDb上，北美媒體對於李安新片爭議頗多
美國媒體，延續了對120幀技術的不感冒。
不能理解李安要在這部傳統的動作片上，做出什麼大文章。
上一部[比利·林恩的中場戰事]就在北美口碑不佳，票房慘敗。
爛番茄上好評率至今仍只有44%，IMDb上則是6.2分。
好萊塢這個地方，比我們想像的要保守得多。
反而是在豆瓣網上，[比利·林恩]的8.4高分宣示了國內觀眾對這部影片的好感。
這分數甚至超過了[卧虎藏龍]，與[色，戒]持平。
不過，這回的[雙子殺手]，國內媒體還沒來得及來反擊，歐洲那邊就已經開始跟北美唱起了反調。
法國點映一結束，影評人就紛紛熱議：
「太有魅力的觀影體驗」
「一部革命性的電影」
「表演堪稱完美」
……
這個曾經孕育了「新浪潮」電影運動的國度，桀驁而清高的世界藝術電影中心，竟對一部動作類型片給予了熱情的肯定。
誰又能想到，這部[雙子殺手]套著一身商業大片的馬甲，竟然藏著一顆藝術電影的內核。
李安，一個看似溫順平和的謙謙儒士，早已大力甩開了好萊塢工業體系的規範與教條，野心勃勃地在新電影的革新之路大步邁進。
做新電影，是要有勇氣的。
在電影的歷史上，每一項新技術的推廣，都舉步維艱。
1898年，電影剛剛誕生，盧米埃爾兄弟短短的一則[火車進站]，就嚇壞了在場的觀眾。
1927年，第一部有聲電影[爵士歌手]上映，無數電影人、評論家激烈質疑，卓別林更是斥之為「垃圾般的發明」。
1935年，第一部彩色電影[浮華世界]上映，許多人認為彩色沒有必要，反而削弱了作品的內涵和深度，普遍進入彩色電影時代一直拖到60年代才實現。
70年代，人們為電影該不該使用電腦特效而爭論不休。
90年代，對於數字電影能否代替膠片電影，又是一場曠日持久地辯論。
2009年，3D電影[阿凡達]全球熱映，人們為電影的視覺特效拍手稱讚，卻並沒看出使用3D的必要性。
電影，每隔一陣，就要增添一副新的面孔。
如今那張最新的面孔，便是「高幀率電影」。
2012年，彼得·傑克遜率先倡議要將3D電影提高幀率，然而48幀率的[霍比特人]並沒有引起多少波瀾。
直到2016年，李安將自己的新片[比利·林恩]一口氣提升至120幀率，並且還搭配上4K的解析度與3D效果。
彼時，響應高幀率放映的影院少之又少，全球掰著指頭都能數的過來。
加上[比利·林恩]里的生活場景居多，許多觀眾反映，並沒感受到高幀率有什麼特別之處。
李安卻大度地攤了攤手——
「拍爛了，請罵我，不要罵技術，技術是無辜的。」
電影總是要朝著未來發展的。李安不怕成為犧牲品。
他還要再試一把。
這一回，乾脆用120幀拍了一部動作大片——
[雙子殺手]來了。
之前，由於放映120幀對於影院條件和成本的要求極高，全球能夠滿足放映的寥寥無幾。
當年的120幀版[比利·林恩]甚至一票難求，導致很多觀眾至今都無緣觀看。
為了讓更多觀眾感受到高幀的魅力，[雙子殺手]這次特地提供了更為多樣化的選擇。
除了繼續少量保持120幀/3D的放映版本，全國5000家影院中將有一半的影院提供放映60幀/3D版的[雙子殺手]，佔據票房市場的80%以上。
這意味著，幾乎人人都有機會看到高幀版的李安新片。
實際上，對於大部分人來說，60幀的動態畫面效果已經足以與24幀拉開差距。
60幀/3D的版本不僅大部分影院可以滿足，也讓普通觀眾有了循序漸進體驗高幀電影的過程。
而那些視覺更為敏銳、眼光更加挑剔的觀眾，也可以選擇終極的120幀/3D版進行觀看。
而且，這部[雙子殺手]中的動作戲可算是足夠多了。
高速的動作場面在高幀的幫助下清晰而真實，你能用身體感觸到戰鬥的激烈，追擊的速度。
李安為了充分展示出高幀率的優勢，採用了更加大膽的鏡頭設計。
甚至從電子遊戲中尋找靈感。
「現在電影的發展已經落後很多了，年輕人更喜歡玩遊戲，而不是看電影，說明遊戲比電影更吸引人。」李安在採訪中說道。
所以，我們在[雙子殺手]里看到了大量第一視角的鏡頭，以及近距離的長鏡頭跟拍。
這都是在借鑒電子遊戲特有的沉浸感與參與感。
除此之外，電影還使用了最前沿的動作捕捉技術，生成了一個完全數字化的角色——
年輕版的威爾·史密斯。
數字角色在高幀率的挑戰下，比以往的精度要求更加嚴苛。
尤其是在動態細節上，容不得半點模糊。
當兩個不同年齡的史密斯站在一起或者扭打成一團時，即使近距離的逼視，都看不出誰真誰假。
過去的電影，雖然也一直在建造著以假亂真的世界，但它終究與觀眾銀幕相隔。
在觀眾心底，那始終還是一個想像搭建的視覺奇觀。
而李安則試圖通過這個新技術打通人們的感官維度，化解銀幕的界線，讓觀眾置身於不可分辨的真實感中。
這種超越情理之外的真實感，呈現出一種感官上的迷情，更豐富地刺激著觀眾的神經反射，以獲得一部電影中更全面、完整的體驗。
當我們被殺手緊追不捨的時候，那種緊張和恐懼。
與當年我們走在萬人矚目的中場盛會上的尷尬一樣，滲透到自己的骨子裡。
不管高幀電影會不會成為電影的未來，這樣前所未有的觀影體驗，你都沒有任何理由拒絕。
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從來沒有一個華人導演，在國際影壇能夠獲得如此成功的地位，號令好萊塢最先進、最龐雜的電影技術團隊。
李安歷經二十餘年，橫掃歐洲藝術電影節，征戰美國奧斯卡，在世界各地收穫了全面的認可。
他的電影類型多變，題材不拘一格，不受語種和地域的限制。
人們之所以喜歡李安，是喜歡他骨子裡東方式的情懷與哲思，與西方式的電影語言和戲劇手法的完美融合。
東方講究內在的鬥爭與平衡，強調修為，重視家庭。
以小家之齊，而達天下之平。
李安的電影也始終著眼於個人的內心掙扎，家庭的矛盾衝突，傳統道德與人性情慾之間的對抗。
同時他又溫和、寬容地試圖去和解這一切。
這種獨特的李安式風格在他的電影作品裡一脈相承。
在早期的作品，從[推手]，到[理智與情感]，他結合了西方戲劇化的敘事結構與東方克制內斂的情緒表達。
不僅讓西方人看懂了[喜宴]、[飲食男女]里中國人的傳統文化，也讓中國人在[理智與情感]里領會到西方古典社會下的家庭生活與人文內涵。
之後，李安又嘗試在通俗化的敘事下，完成個人化的藝術表達，捅破了商業電影與藝術電影之間的隔膜。
[冰風暴]、[卧虎藏龍]、[斷背山]以及[色,戒]，皆證明了他的成功。
每一個普通觀眾，都能從電影中感受到他作品的深刻內涵：
內在的情感衝突，無法挽回的家庭傷痕，以及個體在大環境之下的疏離與壓抑。
從[少年派]開始，李安的電影走向新的階段。
為了突破現有的敘事體系，他將目光寄托在了新技術的革新與應用。
事實上，李安自始至終都清楚，技術是為了更好地敘事而服務的。
但過於搶眼的技術話題，已然淹沒了人們對故事上平心靜氣的體驗與探討。
況且，[少年派]中的精美畫面，是觀眾容易感知得到的特效魅力。
但對於[比利·林恩]在時間維度上的高幀率解析，卻不是那麼容易發覺。
其實從內容上看，李安近年來的幾部影片，一直保持了高度相同的主題——
對信仰的探索與懷疑。
派對宗教信仰的困惑，比利·林恩對美國夢和戰場意義的反思，直到[雙子殺手]里，克隆人對造物主的疑慮。
其實都暗含了一種成長蛻變的意味，曾經相信的一切都發生了改變，自我又該何去何從。
童真的消逝，新自我的誕生，內心的和解。
從[少年派]，到[比利·林恩]，再到[雙子殺手]，這三部電影甚至可以看成是老年李安的「成長三部曲」，回顧了人的一生不同年齡段所經歷的轉折與重生。
而在[雙子殺手]里，更有一種老年李安對話青年李安的既視感。
亦或許是他眼看孩子長大成熟，正在思考當下新的父子關係。
「我想是對我生命的回顧吧。如果年輕的話，我面對他會是一個怎麼樣的狀況？」李安在採訪中說道。
而在電影內容之外，他要做的，更是要「殺死」的是過去對電影的偏見，狹隘的定義，以及落後保守的製作方式。
那李安到底要創造什麼呢？
電影的拍攝方式？電影的觀看方式？電影的定義？
其實很簡單，他要做的只是增加電影的一個維度。
他要徹底取代過去的電影嗎？
當然不是。
就像有了3D電影，2D電影也還存在。有了彩色片，你也可以拍黑白片。
電影不應該只有一種形式，一種樣貌？
新的電影與舊的電影完全可以共存。
就像是派與老虎的共存，殘酷的戰爭與空虛的作秀共存，新的克隆人與本體之間共存。
這，或許才是東方文化中對於創造的理解，才是一個東方文人的野心，才是華人導演李安心中的電影未來。
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人到六十，難免陷入陳腐，鬥志盡失。
而我們眼前的李安，即將步入65，卻還是一身不畏世事的膽魄。
不畏失敗，勇於挑戰。
這不正是一個偉大導演所必備的強大意志與平和心態？
李安的偶像英格瑪·伯格曼，64歲仍志於打造3小時之長的[芬妮與亞歷山大]，不顧觀眾慣常的觀影時長。
馬丁·斯科塞斯，65歲時還在虛心學習香港後輩電影，改編拍攝[無間行者]。
黑澤明65歲時，首次前往蘇聯，大膽嘗試俄語片[德爾扎·烏蘇拉]的拍攝。
老驥伏櫪，志在千里。
65歲的李安，依舊熱愛冒險，不想躲在自己已經被認可的舒適區。
李安的野心一直都在。
青年時的他，想要打破東西方文化敘事的壁壘。
他做到了。
中年時的他，想要跨越商業電影與藝術電影之間的溝壑。
他做到了。
老年時的他，想要用一個新技術，去探索一種新的電影語言。
這或許需要一個比較漫長的接受程度。因為爭議，是所有先驅者共同面對的困境。
但歷史終將記住，未來電影敘事的變化是從一個中國人開始的。
有人說，李安變了。
是的，他的心變得更加雄遠壯闊。
也像他的高幀電影，變得更加細膩、豐富。
